domingo, 28 de febrero de 2016

BARRIDO Y CONGELADO




BARRIDO Y CONGELADO


 El barrido en una fotografía es una técnica que consiste en crear la sensación de movimiento dejando estático el elemento central o el fondo y correr o barrer el otro.



En los barridos los elementos en movimiento aparecen nítidos (o por lo menos, sólo ligeramente borrosos) y lo que realmente vemos difuminado, movido, son los elementos a su alrededor y que son estáticos en la realidad (edificios, una calle, etc.).

EXISTEN DISTINTOS TIPOS:
El barrido móvil es aquel tipo de barrido en el que la mayor parte de la escena esta detallada, estática y enfocada, y el motivo principal es el que dará la sensación de movimiento, siendo representada por líneas “barridas”. Se llama móvil porque el objeto que da la sensación de movimiento irrumpe en un panorama calmo como en la fotografía de la derecha. 

El barrido simple por su parte es aquel donde la técnica se construye de otra forma: Ahora el fotógrafo sigue el movimiento del objeto o sujeto, cuando esto suceda, por la calibración baja de la cámara el fondo será el que se mueva y se verá barrido y, por lo tanto, será el que contextualizará al objeto o sujeto principal. Al realizar un barrido simple es muy probable que el sujeto u objeto principal no saldrá perfectamente enfocado, pero no se preocupe, ya que en ocasiones, ese leve desenfoque aumentará la sensación de movimiento.


EL CONGELADO

 

El fotógrafo cambia los valores aumentando la velocidad, la imagen queda estática o congelada , dando la sensación de acción en una escena. Con velocidades rápidas congelaremos toda la situación.

PROFUNDIDAD DE CAMPO

LA PROFUNDIDAD DE CAMPO

La profundidad de campo es la distancia por delante y por detrás del punto enfocado que aparece con nitidez en una foto.
Aproximadamente la distancia nítida es el doble por detrás del punto enfocado que por delante (ver figuras).
Hay 3 elementos que hacen variar la profundidad de campo:

– La apertura de diafragma

A mayor apertura de diafragma menor profundidad de campo. Como se ve en la imagen, la foto hecha a f/2.8 (mayor apertura de diafragma) tiene una profundidad de campo menor.Igualmente, vemos que la foto hecha a f/22 (menor apertura de diafragma) tiene una profundidad de campo mayor.

La distancia focal (zoom)

A mayor distancia focal (más zoom) menor profundidad de campo.
Como se ve en la imagen, la foto hecha con un zoom de 35 mm tiene una profundidad de campo mayor que la foto hecha con un zoom de 100 mm.

La distancia real entre la cámara y el punto enfocado.

Cuanto menor es la distancia al sujeto que se enfoca menor es la profundidad de campo.
Como se ve en la imagen, la foto hecha a 1.5 metros del sujeto tiene una profundidad de campo menor que la foto hecha a 4.5 metros.

¿Cómo utilizo la profundidad de campo en mis fotos?

Al hacer una foto plantéate qué partes de la escena quieres enfocadas y qué partes no.
  • Profundidad de campo reducida: Utilizar una profundidad de campo reducida puede ayudarte a destacar un elemento sobre el fondo (o sobre un primer plano) y también puede aislar un objeto.
  • Profundidad de campo amplia: Sirve para sacar toda la escena lo más nítida posible y no obviar ningún detalle.
EJEMPLOS:




Elementos de la exposición fotográfica

Elementos de la exposición fotográfica


CONTRASTE:
El contraste se define como la diferencia relativa en intensidad entre un punto de una imagen y sus alrededores. 
Al igual que a la ausencia del color; el contraste tonal se limita a contrastes entreluces y sombras, zonas mas claras y oscuras. 

LA SATURACION:

La saturación opureza es la intensidad de un matiz específico. Se basa en la pureza del color; un color muy saturado tiene un color vivo e intenso, mientras que un color menos saturado parece más descolorido y gris. Sin saturación, un color se convierte en un tono de gris.




LA BRILLANTES: 


 Es la luminosidad específica de un objeto.



EL CALOTIPO

¿SABES QUE ES UN CALOTIPO?

El calotipo era un procedimiento fotográfico que consistía en utilizar un papel negativo a partir del cual podía obtener un número ilimitado de copias.
El 8 de febrero de 1841, Talbot presentó en Westminster una solicitud de patente para su procedimiento mejorado. Se trata un papel con nitrato de plata y yoduro de potasio. Inmediatamente antes de exponerlo a la luz, se vuelve a sensibilizar este papel con una solución de nitrato de plata y de ácido gálico. Después de la exposición a la luz (entre uno y cinco minutos), se forma una imagen visible apenas. El negativo, una vez seco, se revela con nitrato de plata y ácido gálico y se fija con hiposulfito. Luego el papel se vuelve transparente mediante un baño de cera derretida. Con este "negativo" se saca un "positivo" por contacto sobre un papel idéntico, preferiblemente papel salado, sensibilizado con nitrato de plata.
Con este procedimiento se resolvía el paso del negativo al positivo, que implicaba la posibilidad de obtener de un solo negativo cuantas copias se quisiesen. Por aquel entonces, Talbot no supo medir la importancia de su método, porque sólo buscaba una imagen positiva única. Lo bautizó con el nombre de calotype (del griego "kalos", bello).
El calotipo no tuvo mucho éxito al principio, ya que la nitidez del daguerrotipo era preferida por el público, pero eso no le quitó adeptos. Pronto el tiempo de exposición pasaría de 30 minutos a 30 segundos.
Así pues, si bien Talbot no consiguió pasar a la historia como el padre de la fotografía, sí lo hizo como inventor del proceso negativo-positivo, que es el que finalmente llegaría hasta nuestros días y que, en definitiva, una vez perfeccionado convenientemente, supuso la base de la fotografía contemporánea.





EL DAGUERROTIPO



¿ SABES QUE ES UN DAGUERROTIPO?


El daguerrotipo fue la primera técnica fotográfica con la que se pudo captar una imagen sin que se desvaneciera.

La invención del proceso fotográfico se hizo pública en París en 1839.
En éste proceso la imagen era producida sobre una placa de cobre recubierta con plata y sensibilizada con vapores de yodo. Esta superficie era sensible a la luz y debía usarse antes de una hora.
El tiempo de exposición podía variar entre 10 y 20 minutos, dependiendo de la cantidad de luz que hubiera, luego se revelaba la imagen usando mercurio caliente y se fijaba con una solución de sal común.
El nombre daguerrotipo, se deriva del apellido de uno de sus inventores Louis Jacques Mandé Daguerre. La técnica se desarrolló a partir de la experimentación que había hecho Joseph Nicéphore Niépce, quien llevaba varios años experimentando con placas metálicas y diferentes combinaciones de químicos para lograr producir una imagen exponiéndola a la luz.
Su proceso, al que él llamó Heliografía, era muy lento y su primera imagen que aún se conserva, le tomó 8 horas producirla. Niépce era un químico y su cámara carecía de la óptica adecuada para captar la imagen.

Por su parte Daguerre era un artista quien sentía fascinación por la luz y las imágenes. El creaba grandes telones para el Diorama, que era un entretenimiento muy popular por aquella época en París. En el Diorama era un teatro donde se obtenía un efecto tridimensional al pintar los telones sobre un material translúcido y mediante los efectos de la luz sobre las pinturas se lograba crear la sensación de tormentas o atardeceres.
Para hacer sus telones, Daguere se apoyaba en la utilización de instrumentos ópticos y se había obsesionado con lograr utilizar “la cámara oscura”, (un artefacto inventado en el renacimiento para ayudar a los pintores con la perspectiva) para poder fijar de una manera permanente, la imagen que captaba con ella.
Daguerre y Niépce unieron sus talentos y experiencias y tras algunos años de experimentación Niépce murió y Daguerre siguió adelante con el proyecto.
La calidad de la imagen de los daguerrotipos era de una nitidez increíble, pero su técnica tenía varios problemas:
-Las imágenes no se podían duplicar
-La superficie era muy delicada y debía conservarse dentro de un estuche de vidrio.
-La imagen era reflejada como en un espejo
-Los químicos usados, eran extremadamente tóxicos
-Las imágenes eran difíciles de ver desde ciertos ángulos
Los daguerrotipos hechos hace ya mas de 150 años conservan aún toda su nitidez y belleza.

¿Que es la cámara estenopeica?


La palabra estenopeica proviene del griego, donde "stenos opaios" significa "provisto de un pequeño agujero".

La fotografía estenopeica es aquella que se realiza sin el uso de lentes u objetivos. Las cámaras estenopeicas suelen ser artesanales, se construyen con cajas de cartón, latas, cajas de cerillas, botes o cualquier otro artefacto que podamos cerrar el paso a la luz. Básicamente consiste en una cámara oscura con un pequeño agujero (llamado estenopo), por el que se deja entrar los rayos luminosos que incidirán sobre el papel o película fotográficos. 

Para captar una imagen hace falta algún método que restrinja la luz que viene reflejada desde un objeto, ya que resulta imposible conseguir fotografías colocando simplemente la película ante él.

Dado que la luz viaja en línea recta, si hacemos que pase por un pequeño orificio y caiga sobre una pantalla, cada parte de ésta sólo podrá ver la luz de una porción del sujeto, creándose así una imagen más o menos nítida. Este es el principio de la cámara oscura de dibujo y de la cámara fotográfica sin objetivo o CÁMARA ESTENOPÉICA.


CARACTERÍSTICAS



Las imágenes estenopeicas o pinhole tienen unas características muy definidas como la infinita profundidad de campo, aunque no todo salga enfocado en la imagen...; el oscurecimiento de las partes más alejadas del centro y la posibilidad de realizar dobles exposiciones en la misma foto. Este tipo de fotografía requiere tener mucha paciencia, organización y muchas ganas de experimentar, crea expectativa y sus resultados sorprendentes avivan la imaginación y creatividad de los fotógrafos que usan esta técnica.